François Moureau - Cours Magistral de Littérature Classique

Cette page est dédiée au Cours Magistral de Littérature Classique de François Moureau, donné le lundi de 16h à 17h.

Lundi 17 Octobre 2011
Après Turcaret, Lesage va renoncer à la comédie française (donc des comédies dans le style de Molière). Il va donc se consacrer au roman espagnol et au théâtre de la foire (foire st germain des près et foire st Laurent). La foire : moyen d’attirer les clients dans les boutiques. Lesage est devenu l’un des fournisseurs les plus importants de ce théâtre. --> petite pièce drôles ayant pour but de divertir. Elles étaient souvent satirique. Les spectateurs étaient les mêmes que ceux de la comédie française. Voltaire détestait le théâtre de la foire car toutes ses tragédies (et pas seulement les siennes) étaient parodiées à la foire. On allait voir la tragédie à la comédie française puis on allait voir l’anti comédie au théâtre de la foire.

La comédie selon Lesage par rapport à la comédie classique
Il n’y a pas vraiment de théorie de la comédie comme il y a eu une théorie de la tragédie. Les théoriciens du 16ème siècle la définissent comme une intrigue basse (différent de la tragédie qui a une intrigue élevée). L’issue est heureuse (mariage en général). Corneille dit que la comédie doit pouvoir peindre des personnages héroïques au rang élevé mais cela va très rapidement disparaitre avec la tradition moliéresque : la comédie représente des gens du commun. La comédie est un sujet inventé, la tragédie c’est historique ou inspiré de la fable (au sens latin : mythologie etc.). Il y a donc une opposition très nette. Autre différence avec la tragédie : il faut une vraisemblance stricte dans la comédie, on ne peut pas faire apparaître des dieux par exemple.

Au moment du classicisme la définition ne va pas beaucoup se préciser, la définition qui va être donné date de L'Art Poétique de Boileau. C’est après la mort de Molière : synthèse. On parle surtout de l’historique de la comédie, rien de précis. --> «philosophie des moeurs». Au niveau des sujets : la Cour et la Ville. Il y a la société bourgeoise et la société aristocratique. La comédie doit pouvoir représenter en priorité la société bourgeoise et aussi la société aristocratique sans aller trop loin : la politique et la religion n’interviennent jamais dans la comédie. Tartuffe parle de religion mais cela a engendré de gros problèmes.

La comédie a une finalité morale. Or, dans Turcaret tous les personnages sont cyniques, sans passion amoureuse,... --> ils sont tous négatifs. Il n’y a rien de ‘bon’ et il n’y a aucune conclusion morale.

La structure de la comédie classique
on distingue différents types de comédies selon leurs formes :
 * la grande comédie : en 5 actes et en vers. C’est le modèle classique du 18ème siècle = comédie de caractère
 * la comédie de moeurs : en 3 actes, comédie intermédiaire.
 * Comédie en 1 acte : en prose. Comédie légères, rapides. --> spécialité des successeurs de Molière.

La comédie doit être en vers car c’est ce qui fait sa dignité. Elle doit respecter les règles des unités (comme dans la tragédie). Le grossissement comique est autorisé : cela peut poser des problèmes avec la vraisemblance exigée. Il en est de même avec l’aparté, cela n’est pas possible dans la vie réelle.

Est ce que le théâtre doit respecter les rituels sociaux ? Le théâtre classique censure légèrement la réalité. Dans la comédie, les gens ne mangent pas, ne se lavent pas... on ne voit jamais les personnages sur scène dans leur quotidien. Pour la sexualité (central dans la comédie) : on ne représente que l’amour honnête. Il n’est pas question d’adultère dans le théâtre classique. Or, dans Turcaret l’adultère est totalement représenté.

Turcaret va être retiré suite à l’intervention des milieux financiers. Cela montre que la comédie moliéresque va éclater ou va se figer dans des formes comme la comédie classique ou larmoyantes mais il y a une révolte contre ce type de théâtre.

L’intrigue de Turcaret
C’est une intrigue parisienne, ce trait là est proche de la comédie moliéresque. Ce sont des personnages typiques de la comédie classique :

Le Chevalier : cadet classique de la comédie.

Le Marquis : comme le chevalier = gens peu fiables dans la comédie classique.

Intrigue financière : habituelle dans la comédie, c’est même un des moteurs de la comédie classique. Cette intrigue sert à équilibrer des fortunes pour permettre le mariage à la fin.

C’est aussi une intrigue repoussoir c’est à dire qui a pour finalité d'exclure et de ridiculiser un personnage. --> exclusion de Turcaret. C’est courant dans la comédie du 17ème siècle. --> la charivari = on se moque d’un personnage qu’on exclut littéralement.

Donc l’intrigue parisienne, financière et repoussoir viennent de la comédie classique même si elles prennent une autre couleur dans Turcaret.

Personnages féminins dans Turcaret
2 servantes, Marine et Lisette qui sont diversifiées --> diversification des valets avec chacun des caractères différents. Marine conseil la Baronne c’est une espèce de «mère» selon l’expression de Frontin. Elle est veuve et a besoin des conseils de Marine : Marine est donc honnête dans sa malhonnêteté. Elle est morale d’une certaine manière acte I scène 8 «une espèce de mère».

Le personnage de Lisette va être introduit acte I scène 2 par un portrait charge qui est la réalité du personnage : elle est servante mais c’est surtout une aventurière (cf valet de la comédie italienne). Elle vit plus ou moins en concubinage avec Frontin et elle lui dit en court de route que si elle trouve mieux elle ira ailleurs. Elle est prête à beaucoup de facilités avec les hommes il est sont «répondant» et elle est sa «pupille». Les grisettes : vendeuses de modes qui augmentaient leurs revenus par des rencontres nocturnes, elles sont donc relativements légères. C’est aussi un personnage de théâtre (cf Les Grisettes). Lisette est une Grisette : jolie fille pas farouche qui ne refuse pas les avances ex : les avances du chevalier, de Turcaret,... Frontin n’est pas opposé à ce que quelqu’un d’autre mette la main sur elle. Chez Molière : à la fin les maitres se marient et les valets se marient. Ici on est dans un accord commun : société démoralisé et non dans un monde moralisateur comme au théâtre de Molière.

Personnages masculins dans Turcaret
Règles habituelles de la comédie classique : faire apparaitre le personnage principal plus tard dans la pièce (ex : Tartuffe). Il y a un système ici pour annoncer Frontin tardivement. Il va tout de suite jouer contre son maitre, Turcaret par un «ricoché de fourberies» (fin acte I). C’est un fourbe totalement indépendant. C’est un aventurier qui travail pour lui même : le classique se dissout de plus en plus pour aller vers des personnages qui prennent leur indépendance par rapport à la dramaturgie classique. Il est prêt à tout et notamment à faire circuler l’argent pour qu’au final cet argent aille dans sa poche.

Le réalisme social dans Turcaret
Dans la comédie classique il y a un certain réalisme social (Le bourgeois Gentilhomme, Georges Dandin,...). Ce sont des pièces dont la finalité est largement morale : conclusion morale = modèle pédagogique à la fin de la pièce (Dom Juan est un cas tout à fait à part). Nous ne sommes plus du tout dans cette composition chez Turcaret. Il y a une volonté de décrire un univers de la corruption, du mal, de la méchanceté... sans qu’il y ait quelque chose qui voile la réalité comme souvent chez Molière. C’est du réalisme pur et dur, un réalisme du type de Zola. Ce réalisme a put faire reprocher beaucoup de choses à Turcaret.

Cette pièce a une faiblesse : comme toute pièce d’actualité quand l’actualité change elle perd une partie de son intérêt. Donc pour la comprendre il faut la restituer dans sa période (notion de «tranche de vie»). --> Conjoncture particulière. Les traitants : ont signé des contact avec le roi pour recouvrir les impôts etc. Le pouvoir royal n’avait plus un sou. Il fallait donc emprunter. Etat providence : le roi fait la guerre et emprunte. Il se retrouve donc entre les mains des financiers, des traitants. Ils prêtent donc au roi l’argent qu’il leur a volé. --> cercle infernal. Le roi est totalement pris dans ce système, c’est une période de crise financière. Le régent va trouver la solution : il va mettre les financiers en prison (La Bastille). Ils sortent que si ils rendent l’argent. Véritable notion de corruption (notion moderne cela dit en passant). Donc représenter un traitant sur une scène parisienne correspond aux attentes de tous les parisiens. Il s’agit donc bien d’une pièce d’actualité. Les financiers ont donc une très mauvaises réputations, La Bruyère parle par exemple de leurs «âmes étouffées dans Les Caractères. On est dans la notion de voleurs, d’escrocs qui sucent l’argent du peuple.

Situation de l’époque : Guerre de succession de l’Espagne c’est à dire que le roi de l’Espagne meurt et il y a deux héritiers possibles : un prince autrichien ou le petit fils de Louis 14. Le roi d’Espagne favorise dans son testament le petit fils de Louis 14 qui monte sur le trône d’Espagne sous le nom de Philippe 5. Les Autrichien et les Anglais n’aiment pas ça : guerre en 1701. Louis 14 se retrouve donc en guerre contre ces puissances européenne. Cette guerre va aboutir à la victoire tardive de la France en 1713. Tout cela coute affreusement chère à la France qui sort déjà d’une guerre --> période vraiment très difficile. La France est menacée, elle est assiégée par les anglais, etc.

Lundi 5 Décembre 2011
La Comédie Italienne est une comédie de comédiens, de vedettes. Quand ils rentrent en 1707 après avoir abandonné Paris en 1697, la nouvelle troupe ne parle qu’italien et a des difficultés à s’adapter : il leur faut d’abord apprendre à maitriser le français. C’est pourquoi le personnage d’Arlequin est un personnage qui a tendance à s’exprimer par gestes.

Marivaux avait tendance à organiser ses pièces selon les comédiens et des techniques correspondant à la Comédie Italienne, comme la technique du couple, qui ont la même fonction dramaturgique mais avec des nuances permettant de jouer avec les différents personnages.

Arlequin et Trivelin mènent habituellement le jeu dans la comédie italienne. Euphrosine et Sylvia sont généralement les deux amoureuses.

Marivaux
Il est habituellement vu comme un excellent auteur dramatique dont le thème est généralement la naissance de l’amour ; ses pièces se caractérisent souvent par un raffinement psychologique, un double registre, etc.

Toutefois, ses contemporains ne le voyaient pas du tout de la sorte, mais plutôt comme un romancier et un « mauvais sujet ».

Il est né en 1688, la même année que la publication des Caractères de La Bruyère, qui l’influencent plus tard. C’est un parisien qui fait ses études chez les Oratoriens puis rentre à Paris, où il fait des études de droit, mais n’exerce finalement pas, décidant de se consacrer à l’écriture littéraire et au journalisme.

Il écrit dans des journaux connus puis crée ses propres journaux « moraux » dans lequel Marivaux fait mine d’être un personnage satyrique, comme l’indigent philosophe (mémoires d’un SDF qui se promène dans Paris et décrit ce qu’il voit.) Il se fonde sur l’idée que le Christ est venu pour les pauvres et non pour les riches (Christianisme Social), ce qui fait qu’il est détesté par les Lumières, vu qu’il a le défaut d’avoir de la religion.

Il revient aux romans de l’époque Baroque (Effets surprenants de la sympathie) et parodie des grands textes classiques : Homère travesti, dans lequel il reprend le thème de l’Iliade pour s’en moquer ; Télémaque travesti dans lequel il se moque des Aventures de Télémaque de Fénelon en le transposant dans la campagne française et en rendant Télémaque idiot. Cela le fait être vu comme vulgaire et excentrique.

Il abandonne le roman en 1720 et n’y revient que pour des romans sociaux en 1730 (La Vie de Marianne et Le Paysan Parvenu)

Au théâtre, neuf de ses pièces sont jouées à la Comédie Française et vingt sont jouées à la Comédie Italienne. Il s’adapte au style des Italiens, encore proches de la Commedia, mais qui veulent s’adapter à Paris. Marivaux sert de lien entre les deux.

Arlequin poli par l’amour est tout ce qu’il n’y a pas à la Comédie Française : il y a une fée un personnage balourd (pas intriguant comme dans les pièces suivantes). La fée est amoureuse d’Arlequin et ce dernier se civilise par l’amour. C’est l’histoire d’un imbécile qui s’améliore et d’un individu influencé par la société. La gloire de Marivaux ne dure toutefois pas : il disparait de la scène dès les années 1730 et retourne aux romans, mais publie très peu.

L’Ile des esclaves
La pièce est représentée pour la première fois en 1725 et est l’une des pièces sociales de Marivaux. Ces pièces n’ont pas eu un grand succès et L’Ile des esclaves est celle qui a été la plus acclamée. Elle était souvent jouée en première partie de représentation, avant une pièce plus longue. Les deux autres pièces sociales de Marivaux furent Les petits hommes ou l’Ile de la raison (jouée en 1727 à la Comédie Française et engendrant un échec total), une pièce égalitaire, et La Nouvelle Colonie ou la ligne des femmes (jouée en 1729 par la Comédie Italienne, échouant à cause d’une grève faite par les actrices en ayant assez d’être dirigées par des hommes). De telles pièces ne sont pas rares sur scène, surtout à la Comédie Italienne : la Régence dès 1715 occasionne des remous sociaux et politiques (par exemple, en 1717, l’Abbé de St-Pierre invente le principe de paix perpétuelle qui sert en partie de base à l’ONU ; en 1721, Montesquieu publie ses Lettres Persanes). Ces remous trouvent un écho dans le théâtre, comme on le voit par exemple avec L’Arlequin Sauvage (éloge du primitif contre le civilisé – une des rares pièces appréciées par Rousseau) et L’Arlequin Misanthrope, deux pièces antérieures à celles de Marivaux – L’Ile des esclaves entre en continuité avec ces pièces sociales.

La pièce comporte une transposition antique, ce qui est assez ironique, vu que Marivaux est un Moderne qui n’aime pas l’Antiquité (il croit au progrès).

L’Ile des esclaves est une pièce antique très moderne qui se déroule sur une ile où se sont réfugiés des esclaves athéniens qui ont fait naufrage. Pourquoi l’intrigue est-elle située dans l’antiquité alors que Marivaux est un Moderne ?

L’idée est de transposer l’intrigue afin d’éviter de faire une tranche de vie, comme le fait Lesage dans Turcaret. Marivaux transpose l’intrigue à l’Antiquité afin de s’en distancier et de montrer que le problème des distinctions sociales non fondées moralement est intemporel.

Des allusions modernes parsèment la pièce et dévoilent l’artifice de la transposition :

- les cases, qui sont typiquement africaines et renvoient à l’esclavage moderne. - « citoyens et citoyennes » (scène 1) - « patron »

Marivaux ne cherche pas à cacher son procédé de transposition, comme on le voit dans la scène 3 de la promenade, qui fait écho aux promenades parisiennes. Les spectacles sont aussi mentionnés ainsi que des loges, des « cavaliers galants et amoureux ». « visage de condition » (scène 6) signifie noble. On parlerait d’erreur anachronique si le parallèle à l’Antiquité n’était pas voulu.

La pièce est utopique et a été qualifiée de « bergerie révolutionnaire », c’est-à-dire une littérature un peu fade qui cache des éléments révolutionnaires, ce qui n’est PAS le cas, car l’action de la révolution n’apparait jamais.

La pièce finit sur un consensus moral et social : chacun a fait un retour de conscience (parallèle à la morale chrétienne) et se réforme moralement pour ensuite se réconcilier. Ce n’est PAS une révolution.

La pièce est structurée autour de l’Ile sur laquelle est créée une nouvelle société (parallèle à La Nouvelle Colonie) qui refuse l’ancienne société : c’est une utopie isolée du monde mauvais et corrompu.

Utopie : terme utilisé par Thomas More, un ami d’Erasme qui est réformiste (idée que le Christ est venu pour les pauvres). More devient Chancelier d’Angleterre sous Henri VIII, qui fait un schisme avec l’Eglise Romaine, ce qui déplait à More, qui se fait faire décapiter par Henri VIII.

Thomas More est l’inventeur de l’Utopie, « le lieu de nulle part ». Une ile isolée du monde dans laquelle fonctionne une société parfaite peut résumer sa définition de l’utopie, qui correspond à L’Ile des esclaves.

Le principe de la pièce
Volonté de la part de Marivaux de prendre une distance par rapport à la réalité, ce qui l’éloigne de Lesage et de Turcaret. Marivaux peint un problème social (rapports sociaux existant entre maîtres et serviteurs). Le fait que Marivaux situe sa pièce dans l’Antiquité sert à montrer que ce n’est pas un sujet « limité ». L’idée de base de l’île renvoie à la littérature utopique (permet de décrire une société dans un univers clos, une société qui fonctionne qui fonctionne différemment de la société que nous connaissons ; une vision parallèle d’un monde parallèle). Le lieu de l’utopie doit être séparé du monde.

Marivaux tente de se servir de cet archétype de société pour traiter du sujet limité des rapports sociaux, contrairement aux autres utopies qui traitent tous les autres aspects de la société. Chez lui, le débat n’est pas religieux.

La pièce est centrée entre deux couples maître/esclave pris en main par les habitants de l’île qui les forcent à inverser leurs rôles. Arlequin devient maître et Iphicrate devient esclave. C’est une critique du statut « laquais », selon lequel le valet n’a pas de nom, n’existe pas en tant qu’individu. Le but de l’inversion n’est pas la vengeance, mais la correction : il faut que l’esclavage provisoire des maîtres soit une thérapie. Il faut rendre les maitres sains, raisonnables, humains.

Le but du « cours d’humanité » est de faire en sorte à ce que le maître considère l’esclave comme il se considère : l’esclave doit se voir en miroir dans son maître. C’est une procédure que Marivaux appelle le « monde vrai » : se voir réellement et voir l’autre réellement, sans que les intérêts personnels n’entrent en jeu.

La pièce se rattache à une tradition moraliste du XVIIe siècle. Marivaux cherche une réforme de soi-même, forcée ou non.

La dramaturgie de la pièce
C’est une pièce très courte avec peu de personnages, que Marivaux tente de diversifier. La pièce suit le principe des couples et, dans chacun des couples, il y a une nuance entre les deux éléments du cours.

Couples : Arlequin/Iphicrate et Cléanthis/Euphrosine. Arlequin évolue dans l’écriture dramaturgique de Marivaux (voir cours du 5 décembre).

L’Arlequin de L’Île a des caractéristiques habituelles pour Marivaux et n’est pas original. C’est surtout une subversion de l’archétype habituel d’Arlequin, porté sur la bouteille, les saucisses, et indépendant. Les Arlequins de la Commedia sont des aventuriers : c’est la grande différence entre eux et les valets à la française.

On trouve également les amours serviles : Arlequin est souvent soit un amoureux maladroit, soit brutal.

Trivelin a à peu près les mêmes caractéristiques qu’Arlequin et a de plus en plus d’importance chez Marivaux : dans L’Ile des esclaves, il remplace Arlequin en meneur de jeu. Les Arlequins deviennent secondaires et les Trivelins deviennent plus importants. Cela est dû au fait que Trivelin est joué à l’époque par un excellent acteur.

Euphrosine est l’amoureuse chic, de la bonne société, méprisante du monde : « vaine, minaudière et coquette ». Elle sert à dire que la femme est superficielle et ainsi de suite ; c’est un thème récurrent chez Marivaux, chez qui la femme est séductrice et pratique sa séduction.

Iphicrate est l’amoureux qui se prend très aux sérieux, qui est pédant, et peu sympathique.

La plupart des personnages ne sont pas des créations originales, mais plutôt des réécritures de personnages traditionnels.

Dans la pièce, Arlequin devient un personnage sérieux et dit des vérités à Iphicrate. Arlequin est ici révolté, social et se met en marge de l’Arlequin habituel, cynique et égoiste. On peut le rapprocher du Arlequin Misanthrope et du Arlequin Sauvage joué à la fin des années 1710, où les Arlequins sont militants.

Cléanthis éduque dans la pièce sa maîtresse vers la raison ; elle lui fait une leçon de morale et est plus vindicative qu’Arlequin à l’égard de son maître. On a également dans la pièce une tentative du valet de revendiquer son statut d’humain en tentant de séduire l’ancienne maîtresse avec ses techniques de séduction adaptées à des servantes.

Dans la scène 9, Arlequin devient sensible, pleurant, ce qu’on n’imagine pas une seconde avec l’Arlequin habituel. Marivaux bouleverse ici le quotidien de l’Arlequin. Il se fait avoir par une fabrication d’Iphicrate qui veut récupérer sa place ; on a un bouleversement de la pièce et de la situation, avec Arlequin qui accepte les mensonges d’Iphicrate, qui lui dit qu’ils sont deux égaux.

D’un seul coup, ce monde dans lequel les maîtres et les valets étaient opposés retrouve une situation dans laquelle les maîtres retrouvent le pouvoir sur les valets : « Je ne suis pas ton maître, je suis ton ami. » Cela amène une fin sensible qui rappelle les futures comédies larmoyantes ou on tente de tirer des larmes au spectateur.

Arlequin retrouve ainsi son ancien statut, tout comme Cléanthis, qui accepte de redevenir servante à contrecoeur.

La fin est un retour à l’ancienne civilisation. Cela crée une ambiguité qui fait de la pièce autre chose qu’une « bergerie révolutionnaire ». Il est clair qu’en définitive, on se retrouve à la case départ.